Artistes? Galeries? Públic? Mercat? Art?

UN INTERESSANT TEXT PER A LA REFLEXIÓ:


DIUMENGE 28 D'AGOST DE 2011

Brevíssim diccionari d'una impostura

Per Avelina Lésper

Mai estarà de més qüestionar el mal art, o anti-art, com l'anomena l'autora d'aquest implacable diccionari que despulla impostures, idees i actituds que s'han incrustat en l'àmbit de l'art contemporani.

ART BURGÈS. Aquest és un anti-art burgès i ociós que menysprea el treball. Artistes que no treballen, no estudien, no fan. Roben, copien, designen, sobre valoren els seus objectes per un caprici de la moda, exalten el consumisme. És el gran elogi a la decadència del capitalisme.
ART CONCEPTUAL O CONTEMPORANI. Les obres que s'auto anomenen art contemporani, són conceptuals, perquè en totes són les idees i el discurs l'únic pes intel·lectual que posseeixen, i és el concepte el que els dóna el sentit com a art. L'accepció cronològica en ser sempre inestable és inexacta. Qualsevol obra,-des del ready-made fins a les que tenen algun tipus de factura- que fa de les idees seu gran valor real és conceptual. Si una obra despullada d'aquestes idees perd el seu sentit com a art, llavors no és art.
ART CONTEMPORANI I ALTRES ARTS. La música, el teatre, la literatura, la dansa, el cinema porten això de ser contemporanis amb una altra perspectiva. Aquestes arts requereixen d'un involucrament més real de públic: ha de pagar la butlleta per entrar al teatre o la sala de concerts, seure i presenciar durant una o dues hores una obra i amb els seus aplaudiments o esbroncades manifesten la seva opinió. Llegir un llibre exigeix ​​de concentració i temps, l'escriptor veu com els llibres es queden al celler o són un èxit. Els crítics d'aquestes disciplines són ferotges, el cinema aguanta tota mena d'anàlisi i ningú s'esquinça les vestidures. En canvi l'art contemporani es veu en cinc minuts i el públic se'n va. L'artista contemporani viu en una bombolla, no té contacte amb el públic, nega la crítica que no és favorable i si el públic no va a la sala és perquè no entén, mai perquè la seva obra deixi insatisfet a l'espectador o perquè es percebi com una farsa. Aquest anti-art no és per al públic, ni per al museu, és una pràctica endogàmica per als seus curadors, crítics i artistes.
ART QUE NINGÚ ES ROBA. El criteri del lladre és el sentit comú, la realitat que totes les obres són el que són: una pintura és una pintura, un dibuix és un dibuix, una llauna buida és una llauna buida, un excusat és un excusat. I una cosa tan real com un robatori, tan immediat, el posa en evidència. Ningú es roba un munt de roba bruta, unes caixes de cartró. Els nous museus no requereixen d'alarmes, mesures de seguretat o guàrdies, i el que s'arribaran a robar, pot ser reemplaçat en un instant i sense la presència del artista.

 ART TRADICIONAL I ART CONTEMPORANI. La distinció art tradicional i art contemporani és una deformació estètica. Els "contemporanis" porten 100 anys fent el mateix, és temps suficient per crear una tradició. En canvi la pintura que es fa avui no atura la seva evolució, i les seves preocupacions, estètica i estils estan completament immersos en la nostra actualitat. Els artistes contemporanis no són moderns, tenen cent anys sense evolucionar.
ARTISTA. Tots són artistes i tot el que l'artista designi com a art és art, és l'estatus actual. Avui tenim a la major població d'artistes de la història de l'art, per tant cap és indispensable. Ser artista contemporani és una moda elitista. Abans volien posar un bar nice, després ser "dissenyadors d'imatge", després Dj 's i avui, finalment, són artistes contemporanis. L'actitud d'arrogància i de fatuïtat dels artistes és justificable: venen els seus elementals ocurrències i els col·leccionistes demostren el seu poder adquisitiu amb aquestes compres capritxoses i exhibicionistes.
ARTISTA, REQUISIT PER SER. El requisit és no saber fer les coses per fer-les. No saber fer art per ser artista.
ASPIRACIONS. Els artistes volen ser milionaris i els milionaris volen ser artistes. Si declarar que alguna cosa és art et fa artista, acceptar-lo, motivar i pagar per això, també et fa artista. Pagar el preu converteix el col·leccionista en un artífex més de l'objecte; sense la seva aprovació i la seva inversió l'obra no hauria transcendit com a art, així, el comprador forma part essencial en el muntatge d'aquesta farsa. Comparar alguna cosa de valor "teòric" et defineix com modern i actual. El preu en aquestes obres és la seva validació real: si és car llavors és art.
BROSSA. És la matèria primera de l'art contemporani. L'art de la pepena.  Qualsevol cosa que estigui en un abocador és susceptible de ser una obra mestra. Tenim obres amb caixes de cartró, envasos de PET, detritus orgànic, restes animals, llaunes de refrescos, aparells elèctrics descompostos, i un llarg etcètera que es concentra en els abocadors de cada ciutat. L'Art Povera va fer del rebuig un luxe més de la demagògia del capitalisme, el que és una desgràcia en el tercer món en el primer és art. La societat de consum cansada de comprar coses cobejables, cobdícia el que rebutja, transformat pel poder de l'artista. Davant l'increïble talent d'aquests artistes per trobar escombraries, proposo que en els abocadors imparteixin seminaris de Gestió Curatorial i Art, els donin beques perquè classifiquin les escombraries i a més que als ciutadans que separin les seves escombraries els donin certificats d'artistes contemporanis. Més fa aquest anti-art pel planeta que l'ecologia.
BECA. Els artistes contemporanis demanen beques per retallar diaris, recol·lectar la seva roba bruta, fer fotos fora de focus de façanes de McDonald's, posar botzines a un automòbil i recórrer els carrers escandalitzant amb el seu soroll. Aquestes "obres" necessiten el suport econòmic de l'Estat perquè d'una altra manera els resulta impossible realitzar-les. Aquests artistes no creen per la necessitat imperiosa de la seva vocació, ho fan per encàrrec i per diners. L'Estat, en la seva perpètua ignorància i ineficàcia, sent que si dóna suport a aquestes "manifestacions artístiques" compleix el seu compromís amb l'art. Faria més no recolzant aquests malbarataments.

CÈDULA. Són molt importants, és l'únic que l’ informa al públic que l'extintor d'incendis no forma part de l'exposició.
CÈL·LULES MIRALL. Aquestes creen un procés cognitiu en el qual ens posem en la situació de l'Altre, sense elles no existeix la imitació, que és fonamental per a l'aprenentatge; s'activen en veure una acció o com es realitza i tracten de recrear-la. Aquestes neurones també treballen quan tu en veure una obra de suposat art et situes en el sentit del creador i penses que aquesta obra no va requerir d'un talent excel·lent; analitzes ràpidament les teves habilitats i compares el que tu saps fer amb el resultat de l'obra i dedueixes que no té rastre d'intel·ligència creadora. En no reconèixer intel·ligència o emoció en el treball, decideixes que és una cosa sense la qualitat per posseir l'estatus d'art. En situar-te en el paper de l'artista l’identifiques com un estafador que suplanta la veritat de l'art per una mentida. L'art té entre els seus objectius ajudar-nos a comprendre la realitat a través de la representació i ho fa amb l'eina de les cèl·lules de mirall: si eliminen l'objectiu de representar, les cèl·lules no treballen en ajudar-nos a ordenar la nostra realitat i l'existència. Aquest anti-art va en contra dels processos de la intel·ligència i ens encamina a disminuir habilitats formades durant desenes de milers d'anys. Aquest art tornarà a l'estúpida humanitat.
COMPROMÍS. La majoria de les obres tenen un compromís social i bones intencions, això converteix qualsevol representació en una evasió al raonament crític. Si es critiquen els resultats, llavors es jutgen les intencions. La introducció d'una moral en l'art fa que les obres, per abjectes que siguin, tinguin un aval de fons: tot és bo, en el sentit moral del terme.
CONCEPTE. Si l'únic que té valor en l'obra és el concepte, i despullada d'això perd el seu valor, llavors no és art. El concepte és un enunciat arbitrari que pretén canviar la naturalesa d'un objecte, sense aconseguir-ho, exigint una comprensió que no requereix, un objecte és el que és, res més.
CRUELTAT. Exercir la crueltat no té a veure amb recrear i això és patent en la literatura. Assassinar animals, explotar la mort d'altres, presumir del racisme no és art perquè, com tot en l'art contemporani, no és resultat ni del talent ni de la feina del creador o "ideador". La funció d'això és escandalitzar per cridar l'atenció. En una cursa de braus la crueltat és part de l'espectacle, però el torero pren riscos que no pren cap artista contemporani. Si Guillermo Vargas Habacuc, que va deixar morir de fam a un gos, amarrés al curador i al galerista per matar-los de fam no hauria existit mai el performance criminal que va fer. Molts toreros han mort a la sorra, i qui ha mort fent una obra? Ningú. Aquestes obres tenen una lògica elemental: si parlen que van deixar morir de fam a un gos, llavors funciona deixar morir de fam a un gos. Si parlen de que van posar suásticas, llavors funciona posar suásticas. Si parlen d'un assassinat, llavors funciona assassinar. Estic esperant el suïcidi col·lectiu d'aquests mediocres perquè tanquin el seu cicle d'obres, ja que treballen amb les eines de la seva època. Endavant, la violència és la gran eina actual per accedir al poder i la fama.
Curador. El curador és un venedor, un publicista, un dictador i és, al final, el veritable creador de l'obra. Les exposicions no són anunciades amb el nom de l'artista, el principal és el nom del curador. El curador ven la idea de la seva col·lectiva, decideix quins artistes van a l'exposició i amb el seu text inventa els valors subjectius i invisibles del seu producte, és a dir, els artistes i les seves obres. Aquests valors no existeixen, com els publicistes, menteix sobre les característiques del seu producte. El curador li dicta a l'artista el que ha de fer, el que significa i decideix el valor que té en l'exposició. Com tots són artistes, tots haurien de ser curadors, però no és així. Aquests i els teòrics són els ens pensants de l'obra. L'artista és substituïble, el curador com els dictadors, no ho és. El curador en donar sentit a la reunió d'objectes i portar-los al recinte expositiu és l'artífex real de l'obra. Desfacin-se  dels artistes. Per posar una pedra amb una skate trencada o una tina d'oli cremat al museu, un curador n'hi ha prou, no es requereix a ningú més.

 ENTENDRE. "Si no t'agrada és que no hi entens". Confonen creure amb entendre. Qüestionar l'obra és no entendre. No demanen que s'entengui, demanen que es cregui que això és art. En el moment en què deixin de creure que això és art, deixarà de ser-ho. Si no creus en el miracle, el miracle no existeix. Aquesta actitud elitista: "Tu no entens", margina al públic, l'expulsa dels museus i li treu a  l'artista la responsabilitat de les conseqüències de l'obra. Si el públic no veu en l'obra el que el concepte i el significat dicten és que és ignorant. L'artista és infal·lible, mai s'equivoca. La sensibilitat de l'espectador és inoperant, l'artista és intocable.
ESCOLES D'ART. Les escoles d'art no són necessàries, ser artista és una actitud que s'adquireix com posar-se unes sabates, i l'art es designa. L'art no té valors de qualitat, ni tècniques específiques, llavors tampoc requereix ser ensenyat en una escola.
HIRST. Producte estrella dels YBA que va inventar el publicista Saatchi. És el Miguel Ángel de l'art contemporani. Home de negocis, expert en vendre les seves deixalles (burilles de cigars, estris domèstics) a empresaris que especulen amb això en el mercat de l'art. La seva calavera de brillants, "For the love of God" és un dels fraus del mercat de l'art més escandalós. La va comprar ell mateix amb el seu comptador i la seva galeria White Cube.  Amb aquesta transacció es va posicionar com l'artista més car: 50 milions de lliures esterlines. Ningú va certificar que els 8,601 diamants fossin originals. Aquest mite és recolzat per la crítica, així com els publicistes afalaguen qualsevol producte del seu client.
IRONIA. Aquesta ironia no és la crítica àcida a la societat, és un acuditet permanent. Amb un discurs curatorial del nivell de programa còmic de la televisió del tercer món, les obres fan un acudit de qualsevol banalitat o tema. Aquest acudit demostra la "irreverència de l'artista". Qüestionar "amb ironia", "ser corrosiu" substitueix la responsabilitat de portar una denúncia a les seves últimes conseqüències. Per què ser transgressors si podem ser simpàtics i graciosos. Closques de llimones xuclades, escultures de sanitaris portàtils, xiclets enganxats a la paret, bosses del mercat amarrades, tot és ironia. Aquest acudit és explicat pel curador, assegurant-se que la seva intel·ligència superior entén l'acudit millor que el públic.
IMAGINAR L'OBRA. Dir que aquestes obres ens conviden a que imaginem a partir d'elles és també un mite. Ens imposen què és el que hem d'imaginar, ho ordenen clarament en les cèdules explicatives del curador. On és la llibertat de l'exercici imaginatiu si et dicten la reflexió? Manual d'obres imaginàries: la gent mira una paret i se suposa que hauria de imaginar l'obra. Per què l'autor no va imaginar l'obra i la va realitzar en comptes de deixar aquest treball al públic? Un escriptor no deixa el llibre en blanc perquè t'imaginis la novel·la. Demanar que el públic s'imagini l'obra encobreix el buit que l'artista deixa davant la seva incapacitat d'acabar alguna cosa.
JOVENTUT. El seu nom oficial és "artistes emergents". Ser jove o emergent és un requisit per estar en exposicions, és l'addicció a les novetats del màrqueting de l'art contemporani. Cares noves encara que les obres siguin iguals. La virtut no és el talent, és la data de naixement. Les obres emergents són de temàtica intranscendental, relacionades amb falta d'intel·ligència, irrellevància, banalitat i sense un compromís social o estètic seriós. L'art acriaturat que no li importa el que passi al món, encara que en la cèdula parlin de la "decepció que els causa aquesta època" no hi ha una obra que descrigui aquesta decepció o un sentiment de rebel·lia davant el que passa. Aquests artistes reflexionen sobre la seva roba, la televisió, les xarxes socials, són decoratius, conformistes, consumistes i políticament correctes. Són un producte del sistema i treballen per al sistema. Aquests artistes sense art són cecs al fet que les grans obres del Caravaggio o Lucian Freud també van ser obres de joventut.
MAL GUST. Si el bon gust no té prestigi en aquesta època, com no el té la bellesa, el que ja té un prestigi universal com expressió contemporània és el mal gust. No es tracta d'acabar amb obres terribles, que colpegen a la mirada amb l'agressivitat de la realitat,-ja ho va demostrar Otto Dix amb els seus gravats sobre la Primera Guerra Mundial que tenen la virtut d'enfrontar l'espectador. El que fan els artistes contemporanis és tractar de cridar l'atenció amb rebequeries visuals i acudits monumentals per provocar de forma artificial i pretensiosa. Objectes que sempre van passar per kitsch, detestables i d’un sol ús avui són l'apoteosi de les subhastes. Els objectes de fira de Koons són anomenats escultures, els animals en formol de Hirst són reflexions sobre l'existència, les llantes i cotxes de carnaval de Betsabé Romero estan en els museus. El mal gust és el pas d'entrada a la instantània posteritat d'aquest efímer caprici de la vulgaritat al que anomenen art contemporani.
MEDIOCRITAT. Pretendre que el talent, la disciplina i la tècnica en l'art són coses del passat és tractar d'imposar a la mediocritat com a signe de distinció de la nostra època. L'anomenada "democràcia de l'art", "la mort de la tirania del geni" és la dictadura dels mediocres. Avui hi ha artistes complets, que treballen en la seva obra, desenvolupant i investigant en la constant revolució de la pintura, l'escultura i el gravat, que es veuen marginats perquè la falta de talent i la mediocritat tingui "dret a crear". L'imperi de gent sense obra, que designen els seus orins com a art, s'ha apropiat de les galeries i els museus, emparats per curadors i crítics que l'expliquen i l'aplaudeixen, convertint l'art en una trama especulativa, en un negoci vulgar. Són lliures de fer amb el seu detritus, amb les escombraries que recullen, usen i amb el seu posat d'artistes el que vulguin, però rebaixar el nivell de l'art al caprici dels mediocres és una altra cosa.
MORT I CADÀVERS. El robatori de cadàvers per a obres era un cànon en l'Antiguitat. Leonardo va pintar cossos, Caravaggio en la seva Mort de la Verge la model és el cadàver d'una prostituta. Per al Caravaggio el propòsit de l'obra no era emportar-se un cadàver, el seu objectiu va ser que la imatge de la verge es veiés morta, desprotegida, inerme, que els colors de la pell fossin els d'un cos pel qual ja no circula la sang . En l'anti-art i les seves pseudo-obres el seu propòsit és l'exhibició morbosa i descarada d'una cosa que afirmen és el cadàver d’algun o la sang d'un crim. La sang, el cadàver, és un ready-made que fa del sensacionalisme l'obra i de les aficions patològiques l'únic talent de l'artista.
MUSEU. Van anunciar i van clamar fa cent anys la mort del museu i avui es donen compte que sense aquest context l'obra no es pot demostrar com a art. Per això als artistes de l'anti-art els urgeix entrar al museu, perquè només parasitant el context del museu legitimen les seves obres com a art i els donen transcendència i valor en el mercat. Fora del museu aquestes obres -cadenes de bicicleta, urinaris, blocs de ciment, aigua bruta- no existeixen, tornen a la seva situació original d'objectes sense valor i no són art.
NO OBJECTUAL. Enderroquem mites: l'art contemporani ni és abstracte, ni és no-objectual. Si hi ha alguna cosa objectual, concret, addicte a les referències quotidianes i a les formes més costumistes és aquest anti-art, que depèn en la seva totalitat d'objectes prefabricats, que no inventa ni crea. "Objecte trobat" "objecte intervingut" "objecte patejat" "objecte recuperat" "objecte reciclat" ... desenes de categories, una per a cada cosa. És l'art de la pepena que parasita el costum i la familiaritat amb l'objecte per relacionar-se amb l'espectador. No té l'abstracció de la recreació, rèmora de les coses fetes, és l'art del consumisme i l'acumulació. No objectual, no retinal? Llavors no depredin, facin, recreïn.
OPORTUNISME. L'art contemporani s'aprofita d'un problema greu per, en un acte oportunista, vendre una mentida com a art, i succeeix la reacció lògica: criticar l'obra és estar en contra de la suposada "denúncia".
PERFORMANCE. El performance és covard amb el públic, no permet la interacció. Si un espectador li diu alguna cosa a l'artista aquest s'indigna i demana que treguin del recinte a l'espectador. Hi ha una diferència enorme entre la transgressió i l'exhibicionisme. El performance és la versió políticament correcta i decent del que fan en els antres de xou porno. En aquests antres els actors que es despullen, es caguen, masturben etc., aguanten al públic, suporten els seus insults i ni ells ni cap client consideren que el que fan sigui art. Saben que és exhibicionisme i que exploten la necessitat morbosa de veure n espectacle escabrós. Els performancers sense arribar al que es fa en un burlesque o en un antre XXX es fan dir artistes, volen escenaris cultes i més, exigeixen respecte del públic i beques estatals.
PROCÉS. El procés de l'obra es suposa més important que el resultat. Veiem obres inacabades perquè això "obre possibilitats".  Primar el procés evita que es faci una anàlisi de l'obra ja que en no estar acabada no podem emetre un judici crític. És part de la irresponsabilitat d'aquest anti-art. És evident que aquestes obres no tenen una relació temps-qualitat, processos de mesos llancen obres que en realitat va prendre instants pensar i fer-les. Fer èmfasi en que el procés és llarg i complicat és per disfressar la manca de qualitat dels pobres resultats, per fer-nos creure que hi ha un rastre d'intel·ligència i esforç en això. Els resultats i banalitat de les obres contradiuen la importància del seu procés. Perquè aquesta contradicció no sigui posada en evidència és el text curatorial que explica les intencions de l'artista. El procés és intenció. L'art veritable no és intenció, són fets.
REFLEXIÓ. La gran bandera d'aquest anti art és la "reflexió". Les obres per banals que siguin exigeixen una reflexió superior al que elles representen en si mateixes. La reflexió és un procés que substitueix a la contemplació. L'obra, en no motivar que el públic estigui observant, imposa una tasca aliena a ella mateixa, imposa un pensament en el qual ens hem d’entretenir perquè l'obra no provoca idees. Aquesta reflexió és més part del significat, hem de "reflexionar" en el que significa i això és una idea que se suma a l'obra per donar-li un valor intel·lectual del que no té i que no justifica amb la seva presència. Diu Danto "que l'artista faci l'obra, la filosofia i els teòrics li donarem significat". L'artista és un ésser que no pensa, designa alguna cosa com a art i un teòric li dóna un pes intel·lectual. Reflexionem en això.
TOTS SÓN ARTISTES. La falsa democratització de l'art, el "tots són artistes" es va convertir en una tirania. El problema és: si tots són artistes i tot és art, no hi ha espectadors, el que mira pot ser creador en aquest instant, així, per què veure alguna cosa que tu com a creador potencial pots fer i fins a superar. El segon problema: al marge de la qualitat artística,-que en general és nul·la -no hi ha res a observar perquè tot és art, no hi ha objectes que requereixin de la nostra dedicació especial per contemplar-los. Des dels temes que aborden, fins els materials que usen, aquesta totalitzadora actitud està dirigida a que l'experiència estètica perdi sentit. La decisió, purament dogmàtica, que totes les aptituds són iguals -i això dóna a tota la capacitat de fer art- implica que no hi ha res admirable o valuós en fer art, perquè es converteix en una operació comú, corrent i intranscendent . El que fa innecessari un recinte tan costós i pretensiós com un museu. Per a què allotjar, exhibir i protegir una cosa que tothom pot fer? Si tots són artistes i tot és art, per tant fins a l'últim centímetre quadrat de la realitat és art i és un museu al mateix temps. Doncs fora amb les seves obres, al carrer i que deixin els museus per l'extraordinari.
TRANSSUBSTANCIACIÓ. És una superstició religiosa que afirma que un objecte pot canviar de substància sense alterar la seva forma. L'objecte és una mica més del que representa, és una altra cosa. En això se sosté el frau de l'art contemporani i les seves idees conceptuals, la figura és a dir el que és evident, no canvia, canvia el que no veiem, el significat. Els conceptes dels artistes, els seus curadors i crítics són com la publicitat que ens diu virtuts del producte que no són evidents però n'hi ha prou creure-hi perquè hi sigui. La galeria, el museu i l'església són inqüestionables i tot el que està dins és veritable perquè l'empara una idea mal redactada incapaç de ser comprovada. En les ressenyes dels crítics que donen suport a aquest anti-art, davant l'exposició d'adjectius costa entendre si parlen d'una instal·lació o una performance, però del que sí ens assabentem és que l'obra és genial, que és transgressora, que convida a la reflexió, que trenca amb esquemes i fa denúncia social i darrere d'aquest edifici retòric està un vídeo pornogràfic de Santiago Serra o uns espaguetis en una cadira. Per això el dubte, que és el primer tret d'intel·ligència, mai és benvinguda a la publicitat, la religió o l'art contemporani, perquè qüestiona les seves veritats fabricades, i en aquest procés és en el que s'esfondren tots els mites. Aquestes idees supersticioses han penetrat com la publicitat i per això les institucions i fundacions creuen que donar suport a aquestes obres és donar suport a l'art, restant suport a l'art veritable.